Macbeth

„Musik ist ein Gegengift für das Streben nach Macht“ : ein Interview mit Dirigent Myung-Whun Chung

Maestro Chung, Sie dirigieren zum ersten Mal Macbeth, ein Shakespeare-Stück, das Verdi sehr am Herzen lag, er betrachtete es als „eine der größten Schöpfungen menschlichen Geistes“. Wie sind Sie an diese Oper herangegangen?

Wenn Sie etwas für Sie Neues bearbeiten, müssen Sie dies in einer bestimmten Reihenfolge tun. So fing ich mit dem Libretto und Shakespeares Stück an, genau wie Verdi. Er schaute immer nach einer Kernidee, aus der er die Musik entstehen lassen konnte. In diesem Sinne kann man sagen, dass die Worte vor der Musik da sind. Wenn dies jedoch der Anfang ist, muss für ihn und für jeden anderen Musiker der Endpunkt die Musik sein, die von viel größerer Bedeutung ist als der geschriebene Text. Meiner Meinung nach besteht die Hauptaufgabe eines Dirigenten darin, den Weg, den der Komponist eingeschlagen hat, zu rekonstruieren. Bei Macbeth ist der Ausgangspunkt, also der Shakespeare-Text, jedoch sehr bedeutungsgeladen, so dass die Beziehung zwischen Musik und Text viel dichter und enger ist als in anderen Fällen. Ich muss sagen, dass ich diesen Zugang zur Oper anfangs nicht einfach fand, denn was ich an Verdi normalerweise am meisten mag, ist das Menschliche, die Noblesse, der Mut und die Liebe. Hier gibt es jedoch sehr wenig Noblesse und ebenso wenig wahre Liebe. Es ist eine gewalttätige, wilde Welt, und ich musste mich ein wenig zwingen, sie zu betreten. Glücklicherweise kam mir die Musik zu Hilfe.

Wie wir wissen wollte Verdi unbedingt den Sänger Felice Varesi für die Premiere, weil er glaubte, er sei der einzige, der diese bestimmte Figur effektvoll verkörpern könnte. Welche Art von gesanglichen Qualitäten sollte man für die Rolle von Macbeth haben? Und wie ist es mit Lady Macbeth?

Zunächst möchte ich sagen, dass diese Oper eigentlich Lady Macbeth heißen sollte. Während die Rolle von Macbeth zweifellos eine der wichtigsten ist, ist es, wie so oft im Leben, die Frau hinter dem Mann, die wichtiger ist. Und dieses Element kommt bei Macbeth besonders zur Geltung. Was Sie also brauchen, ist ein guter Schauspieler für Macbeth, seine Stimme ist jedoch verhältnismäßig 'normal', während die Sopranrolle fast unmöglich zu verkörpern ist. Für die Dame suchte Verdi eine Sängerin, die nicht attraktiv war und nicht einmal eine schöne Stimme hatte. Aber das war offensichtlich unmöglich, weil man sich nicht für jemanden mit schlechten Stimmqualitäten entscheiden kann. Man muss also mit einer schönen Stimme arbeiten, die flexibel genug ist, um das angeborene Böse in diesem Charakter in den Vordergrund zu stellen. Von allen Rollen, die ich kenne, ist diese wirklich diejenige, die der Unmöglichkeit am nächsten kommt. Ich denke, es ist im Allgemeinen die Rolle der Frau in der Beziehung zwischen Mann und Frau oder Eheleuten viel zentraler ist. Ich sage oft, dass meine Hauptaufgabe nicht das Dirigieren ist: Zuerst bin ich ein Portier; dann bin ich der Koch; und zusätzlich dirigiere ich. Die Beziehung zwischen den beiden Protagonisten in Macbeth ist wirklich klar: Seine Frau hat Macbeth in ihrer Gewalt und völlig unter Kontrolle.

Nach Macbeth und Lady Macbeth ist der Chor der Hexen die dritte Hauptrolle.

Auch diese Rollen sind kaum verkörperbar. Wenn man Shakespeares Stück ohne Verdis Musik inszeniert, kann man "echte" Hexen auf die Bühne stellen, die schrille, schreckliche Stimmen haben können. Aber beim Singen ist es äußerst komplex, die musikalischen Eigenschaften dieser Figuren zum Vorschein zu bringen. Aus einer Gesangsperspektive erzeugt die extreme Übertreibung einen zu komischen Effekt. Es ist also wirklich schwierig, den richtigen Weg zu finden und es muss sowohl technisch als auch mechanisch viel Arbeit geleistet werden. Man muss fast immer ohne Emotionen singen und dabei sorgfältig die Effekte berechnen, die die Leichtigkeit und „phantomhafte“ Präsenz dieser Hexen hervorrufen. Es ist fast so, als würde man gegen die Natur arbeiten, ohne Raum für Emotionen zu lassen. Es ist das genaue Gegenteil von den schönen italienischen Stimmen, die ihr Herz in jede Note stecken.

Nach der Premiere in Florenz revidierte der Komponist die Partitur für Paris, wobei er einige Teile überarbeitete und andere vollkommen auswechselte. Heute ist diese zweite Fassung auch die am meisten aufgeführte. Warum ist das so?

Ich denke nicht, dass man von einer zweiten Fassung sprechen sollte. Tatsächlich ist die für Paris erstellte Partitur eine Partitur, die im Vergleich zur ersten nur geringfügige Änderungen enthält. In diesem Fall unterscheidet sich Verdis Revision von der seiner anderen Opern, zum Beispiel Simone Boccanegra, wo die zweite Version zweifellos die bessere ist. Bei Macbeth behielt Verdi das Meiste der ersten Fassung in der zweiten bei, er nahm nur kleine Änderungen vor und modifizierte die Orchestrierung an mehreren Stellen, aber die Gesamtstruktur der Oper ist definitiv die gleiche. Wie immer ist jedoch die geringste Veränderung begründet und stellt eine deutliche Verbesserung dar, und deshalb ist es schwierig, nicht die zweite Fassung zu nehmen, wenn man sich entscheiden muss. Wir werden jedoch nicht das Ballett aufführen, das speziell für Paris geschrieben wurde. Ich persönlich mag es nicht, Ballettszenen zu Verdis Werken hinzuzufügen.

Macbeth ist eine Art Fantasy-Oper, die von Verdi zusammen mit dem Impressario Alessandro Lanari ausgewählt wurde, der schon Werke wie Meyerbeers Robert le Diable oder Webers Der Freischütz bekannt machte.

Das stimmt, man muss nur im letzten Akt an Lady Macbeths berühmte Schlafwandlerszene denken. Die ganze Oper entwickelt sich allerdings auf einem feinen Grad zwischen Realität und einer Traumwelt, zwischen dem Konkreten und dem Vorstellbaren. Was die Regie betrifft, so denke ich, dass unsere Produktion auf diese Art der Deutung ausgerichtet ist. Die Anwesenheit der Kinder ist entsprechend zu verstehen, und für Verdi hatte dies eine sehr wichtige Funktion. Vielleicht hilft es, Lady Macbeth ein wenig Menschlichkeit zu geben, denn an einem bestimmten Punkt scheint sie unverständlich böse zu werden und schwankt ständig zwischen diesem atavistischen Bösen und Wahnsinn.

Es ist ein makabres Märchen über Macht, Gier und die Schwächen des Menschen. Inwieweit spricht das noch das Publikum an?

Es spricht nicht nur die zeitgenössischen Zuschauer an, sondern auch das Publikum über die Jahrhunderte hinweg. Die Protagonisten sind zwei Figuren, die alle anderen beherrschen wollen. Figuren wie diese, die von ihrem Willen zur Macht geblendet sind, stellen seit jeher eine große Gefahr für die Menschheit dar, egal, wohin man sieht. Und obwohl das Thema düster und voller Gewalt ist, hilft uns diese Oper zu verstehen, inwieweit diese Droge - in Form des Strebens nach Macht - so furchtbar tief im Menschen verwurzelt ist. Wie immer gelingt es der Musik, eine spezifische Botschaft zu vermitteln, die über die bloßen Worte hinausgeht. Letztere bleiben im Kopf, während die Musik das Herz und die Seele eines jeden Menschen erreicht.