I due Foscari

5 clés pour aborder I due Foscari

1° L'Italie, férue de Byron

Le poète anglais Lord Byron (1788-1824) ne fut jamais aussi acclamé qu'en Italie. Cette admiration n’eut d’égal que son propre attachement à l'Italie, où il vécut pendant sept ans. Personnage éblouissant et provocateur, Byron était un sympathisant de la cause italienne et écrivait avec éloquence sur leur situation politique. S'installant à Venise en 1816 après de nombreuses années d'errance, il se plongea dans l'histoire de la ville.

S'inspirant librement des événements historiques des années 1450, il écrivit sa pièce en vers Les deux Foscari à Ravenne, en moins d'un mois au cours de l'été 1821. Dans la tragédie de Byron, le Doge Francesco Foscari est dévasté par le maintien de la loi vénitienne alors même qu'elle condamne son fils Jacopo à l'exil. Le fait que le personnage historique de Jacopo était un véritable escroc et que sa condamnation à l'exil était en réalité un acte de clémence, prononcé en faveur de son père, n’est mentionné nulle part dans la pièce.

2° Des Deux Foscari à I due Foscari

« Quel beau drame, magnifique, archibelissimo ! » : telle fut la réponse enthousiaste de Verdi devant l’adaptation de son librettiste Francesco Maria Piave des Deux Foscari. Pour son sixième opéra, Verdi choisit de mettre en musique le drame mélancolique de Byron, en résumant magnifiquement son ton sombre et ses allusions à la rigueur et au secret vénitiens. Pour la première fois, Verdi développa des thèmes individuels pour chaque personnage, révélant leur trouble intérieur et préfigurant de futures œuvres intimes comme Luisa Miller ou La traviata.

Si Verdi fut d'abord séduit par le sujet, quatre ans seulement après la première en novembre 1844, il le qualifia d’« enterrement... une atmosphère et une couleur trop uniformes du début à la fin ». Plus tard encore, dans une lettre adressée au librettiste du Roi Lear, Antonio Somma, il écrivit : « Je devrais refuser d'écrire sur des sujets tels que Nabucco, Foscari, etc. Ils offrent des situations extrêmement dramatiques, mais ils manquent de variété ». Malgré cette monotonie apparente, l'opéra se caractérise par une musique glorieuse ; le rôle du Doge est un tour de force dramatique, tandis que celui de Jacopo est souvent considéré comme le plus lyrique que Verdi ait jamais composé.

3° Une dynamique père-fille inattendue

Bien que l'opéra porte le nom d'un père et de son fils, on peut affirmer que la relation entre le Doge et sa belle-fille est la plus décisive. Après leur confrontation devant le Conseil, ils se retrouvent dans le cabinet privé du Doge dans l'acte 1, scène 4. Enfin seul, le Doge peut libérer ses véritables sentiments : le cœur de son vieux père pleure, car ses yeux n'ont plus de larmes pour pleurer. Lucrezia est furieuse et Francesco, qui l'appelle « fille », tente de la raisonner. Ses larmes offrent néanmoins une lueur d'espoir à Lucrezia, découragée. La scène est caractérisée par une variété de solos, d'apartés et d'interjections qui, sans compromettre l'unité musicale, devaient devenir la signature de Verdi.

Cette scène est tout aussi intéressante sur le plan psychologique. Dans sa fantaisie onirique, on pourrait dire que chaque personnage de la scène de l'opéra incarne un aspect différent de chacun d’entre nous. L’un des deux aspects pourrait être incarné par la voix fatiguée et soumise du père, tandis que l’autre serait illustrée par celle, plus active et stridente de la belle-fille. Comme le suggère l'auteur William Berger, cette dialectique père-fille représente les conflits internes en chacun de nous.

4° Souligner cette couleur sombre et morne

« Si Verdi fit le choix d’une couleur aussi sombre et morne », explique Paolo Arrivabeni, « il le fit manifestement dans l'intention de suivre l'esprit du sujet. Chaque fois que je dirige cet opéra, je ressens la façon dont les couleurs sombres sont censées évoquer un décor. D'une certaine manière, à certains moments, on peut aussi goûter le sel de la mer, comme Verdi le fera dans Simon Boccanegra. La tâche du chef d'orchestre est précisément celle de souligner cette couleur particulière, que Verdi a, sans surprise, voulu conserver tout au long de l'opéra.

La scène de Jacopo, seul, en prison en est l’illustration : il y a tout d’abord une introduction instrumentale de l'alto et du violoncelle - et le fait que Verdi écrive des "soli" n'est pas un hasard, c'est presque onomatopéique, comme s'il voulait déjà souligner la solitude dans laquelle se trouve Jacopo. Le sentiment de tristesse et de désolation que cette introduction transmet est déjà brillant en soi. Ici, Verdi est vraiment futuriste,son style est celui d’un compositeur du 20e siècle. Face à une telle situation, il nous faut simplement suivre ce que Verdi a voulu suggérer ».

5° Un genre théâtral qui bannit tout mensonge

« Lorsque j'ai commencé à étudier I due Foscari », explique Leo Muscato, « cela a créé dans mon esprit un décalage entre la musique et l'histoire : d'un côté, il y avait une histoire qui se déroulait au milieu du 15e siècle à Venise, où des hommes portent de très longues tuniques ; de l'autre, une pièce musicale fortement marquée par le 19e siècle, présentant des formes fermées, des cabalettas héroïques et des leitmotivs qui caractérisent les personnages. Il m'est venu presque instinctivement à l'esprit que si nous avions situé cette histoire à une époque plus proche de celle de Verdi, je n'aurais plus jamais entendu cette divergence.

Ainsi, le caractère esthétique des scènes et des costumes vise à rendre une abstraction. Le visuel est ramené à l'essentiel. Pour suggérer différents environnements, nous utilisons un seul système scénographique qui permet des changements d'images nombreux et évidents. Sans jamais arrêter l'action, vous passerez d'un tableau à l'autre, sans interruption, offrant à l'action un rythme précis. Et tout cela pour nourrir une idée du théâtre que j'ai toujours poursuivie : un théâtre qui met le spectateur en position d'imaginer ce qui n'est pas là ; un théâtre dans lequel le mensonge est interdit et où la fiction devient le seul moyen de crier des vérités à qui veut les entendre ».