Orfeo

L'HISTOIRE

Prologue
La musique impose le silence pendant qu'elle raconte l'histoire d'Orphée, le fils d'Apollon, dieu de la musique.

Acte I
Des fêtards célèbrent les noces d'Orphée et d'Eurydice.

Acte II
Orphée se réjouit de son union avec Eurydice. Une messagère arrive avec une terrible nouvelle : Eurydice a succombé à la morsure d’un serpent. Orphée se désespère, puis décide de sauver Eurydice en la ramenant des enfers.

Acte III
L'Espérance accompagne Orphée jusqu'à la porte des enfers, gardée par Charon. Au début, la musique d'Orphée ne parvient pas à charmer Charon, mais celui-ci finit par s'endormir et Orphée peut passer devant lui.

Acte IV
Proserpine, reine des enfers, est émue par la musique d'Orphée et supplie Pluton, roi des enfers, de libérer Eurydice. Pluton accepte, à condition qu'Orphée ne lui adresse pas la parole et ne se retourne pas et ne lui adresse pas le moindre regard sur le chemin du retour. Au cours de leur voyage, Orphée doute qu'Eurydice soit réellement derrière lui et ne peut s'empêcher de se retourner pour la regarder. Eurydice lui est enlevée pour la deuxième fois et Orphée est contraint de retourner dans son monde.

Acte V
Submergé de chagrin, Orphée renonce à toutes les femmes. Son père, Apollon, le prend en pitié et lui offre une vie aux cieux, où il pourra jouer de la musique pour l’éternité. 

En profondeur

Une grande fusion de traditions musicales

Monteverdi a-t-il inventé l'opéra ? Techniquement, non ; en pratique, oui. L'opéra n'existait que depuis une décennie lorsque le compositeur a produit Orfeo en 1607, et il a été le premier à perfectionner cette forme. En 1600, la théorie du drame musical s’était consolidée. Depuis des décennies, des érudits progressistes, dont Vincenzo Galilei, le père de Galilée, exhortaient les compositeurs à abandonner les arcanes du contrepoint au profit d'un style plus expressif et à une seule voix. Les pionniers de l'opéra florentin ont façonné une méthode de chant récitatif qui permettait d'exposer l'intrigue entre les arias. Mais les premiers opéras manquaient d’élan narratif : au bout d’un moment, les récitatifs devenaient fatigants. Monteverdi, qui écrivait déjà des scènes quasi-opératiques sous forme de madrigaux, a électrisé le genre par la force de sa personnalité. Des lignes mélodiques expansives, des sauts d'intervalles imposants, des contrastes rythmiques aigus, des changements d'accords abrupts, des dissonances mordantes, des basses errantes et inquiétantes - tout cela exprime la violence des émotions d'Orphée lors de sa descente aux enfers.

Les lignes vocales sont typiques de l'époque, avec des ornements qui se déploient en intervalles étroits, mais la musique évolue à un rythme inhabituellement mesuré et méditatif. Des couples d'instruments jouent des gammes ascendantes et descendantes spectrales, la seconde partie résonne en écho. La harpe se fait elle-même écho. Monteverdi relâche son emprise sur le récit et se plonge dans la condition de son personnage. C'est l'opportunité offerte par la structure en longueur de l'opéra, qui dure toute la soirée. L'horloge ralentit ; l'horizon s'élargit : nous nous promenons dans le monde intérieur d'Orphée.

L’écho que trouve Monteverdi aujourd'hui n'est pas seulement une question de maîtrise de la composition. Ses protagonistes deviennent des individus expressifs, mais ils habitent un monde où les hiérarchies sont établies et les libertés circonscrites. « Rien de ce qui est délicieux ici-bas ne dure », dit Apollon à Orphée, lui conseillant de renoncer à la vie et d'aller au ciel. Monteverdi a souvent été comparé à Shakespeare, à juste titre. Les deux artistes donnent une profondeur insondable à des récits familiers, et tous deux manœuvrent habilement entre le haut et le bas, captivant encore et toujours le public quatre siècles plus tard.

Alex Ross