La nouvelle génération d'équipes créatives
Comme des alchimistes dans un étrange laboratoire
Des concours tels que le RING AWARD offrent aux jeunes équipes créatives une plateforme qui donnent vie à leurs idées pour un monde de l'opéra moderne. Lors de l'édition 2025 du RING AWARD, neuf équipes ont pris part aux demi-finales avec leurs concepts innovants de production de L'Orfeo de Monteverdi. Trois d'entre elles se sont qualifiées pour la finale. Au cours des semaines qui ont précédé les présentations finales, OperaVision s'est entretenu avec plusieurs de ces jeunes talents issus des domaines de la mise en scène, de la scénographie et de la création de costumes. Ils nous livrent ici un aperçu de leur travail et de leur vision artistique. Qu'est-ce qui anime les esprits créatifs de demain, et quel est le rapport entre l'opéra et un laboratoire de chimie ?
Premiers pas
Bien avant qu'une production d'opéra ne prenne vie sur scène, l'équipe créative commence son travail généralement des années à l'avance. Qu'il s'agisse d'un opéra baroque, d'une soirée à double programme ou d'une nouvelle composition en cours d'élaboration, les membres de l’équipe créative rassemblent leurs réflexions et leurs idées, définissent un thème et développent un concept pour donner forme à l'histoire qu'ils souhaitent présenter au public.
Maria Chagina, l'une des jeunes metteuses en scène, décrit son métier comme « avant tout celui d'une organisatrice d'idées, d'espaces et de personnes » qui, dans l'opéra, devient une « médiatrice entre la musique et l'interprétation, déterminant le prisme à travers lequel le public va percevoir l'œuvre musicale ». Violoniste de formation, la première étape dans la mise en scène consiste pour elle à étudier la partition musicale, le contexte biographique et politique ainsi que les sources littéraires de l'œuvre. Une fois le concept développé, le metteur en scène agit comme un « pont entre la conception et la réalisation pratique d'une vision », explique le jeune metteur en scène Giorgio Pesenti. « C'est un peu comme être obstétricien : prendre soin de mettre une idée au monde, la guider vers la vie. La tâche du metteur en scène est toujours d'inspirer les autres tout au long du processus artistique, afin qu'ils conservent l'attention et l'ouverture émotionnelle nécessaires pour donner vie à un projet. »
Si les compétences nécessaires à une bonne mise en scène peuvent s'acquérir et se développer à travers la formation, de nombreux talents émergents puisent une inspiration essentielle pour leur carrière dans leurs premières expériences en dehors du monde de l'opéra. Au cours de sa formation, le metteur en scène Finn Nachfolger a constaté « des différences dans la manière dont les metteurs en scène travaillent avec les personnes sur scène en fonction de leur propre expérience sur scène. Ma formation me permet de trouver un langage pour communiquer avec mes interprètes et de comprendre les difficultés qui peuvent survenir pendant les répétitions ou les représentations ». Ayant également acquis une expérience professionnelle dans les coulisses, Finn espère que « cela l'aidera à mieux communiquer avec toutes les personnes impliquées dans une production ».
La scénographe et costumière Heike Hümpfner est également arrivée au théâtre musical par des chemins détournés, ce qu'elle trouve très enrichissant. Pendant ses études d'architecture, elle a découvert que les bâtiments pouvaient avoir des qualités narratives : « Pour moi, un bâtiment n'était jamais seulement une structure, mais un récit qui se déroulait dans l'espace, façonné par son environnement et les personnes qui le traversaient. » Cela convient parfaitement à l'opéra, qui donne vie à des histoires grâce à l'interaction entre la musique, le livret, l'espace et la scénographie. « Ma formation en architecture m'a appris comment l'espace peut affecter le corps humain et susciter des émotions, comment les matériaux, les proportions et la lumière peuvent créer une atmosphère qui résonne à la fois sur le plan physique et psychologique. Transposer cette sensibilité à l'opéra signifie créer sur scène un monde qui ne se contente pas d'illustrer le récit, mais qui l'incarne, permettant ainsi au décor de devenir un partenaire actif dans la narration. »
Collaboration et communication
Pour beaucoup de jeunes créatifs, une collaboration étroite est essentielle, que ce soit au sein de l'équipe, avec les personnes impliquées sur scène et en coulisses, ou avec des organisations extérieures à l'opéra. La scénographe Anouk Hufschmid Hirschbühl souligne : « La collaboration entre le metteur en scène et ses concepteurs est essentielle ! Vous voulez que vos personnages vivent dans l'espace et dans leurs costumes, leurs vêtements. Le décor n'est qu'un espace si vous n'avez pas les personnages et l'histoire. » Heike Hümpfner estime qu'il s'agit là d'une qualité décisive et caractéristique de la prochaine génération de professionnels de l'opéra : « Nous vivons à une époque où les artistes mélangent les traditions et les perspectives nouvelles et diverses. La force réside dans l'acceptation de cette fusion, qu'il s'agisse d'intégrer les nouvelles technologies, d'explorer des collaborations interdisciplinaires ou de créer des espaces plus inclusifs et pertinents pour que l'opéra puisse évoluer. Il existe une ouverture au risque et à l'expérimentation qui propulsera cette forme d'art vers de nouveaux horizons passionnants. »
Après tout, « il est important de reconnaître à quel point le monde a changé depuis le 17ème siècle », déclare Maria Chagina. « Notre perception du temps et du contenu est devenue beaucoup plus rapide : nous sommes désormais habitués à des contenus courts et en constante évolution. Je pense que toute rencontre entre l'opéra et d'autres formes d'art plus jeunes, comme la culture pop, les installations vidéo, le street art et la performance, est bénéfique, car elle crée un point de connexion avec un public plus jeune. » Et pas seulement les jeunes, estime Anouk Hufschmid Hirschbühl, qui est convaincue que l'opéra, perçu comme intimidant et coûteux, doit être rendu plus accessible : « Il doit s'ouvrir davantage, travailler avec les villes et les communes. Montrer aux gens qu'ils connaissent des mélodies, des airs, des histoires qui viennent de l'opéra ou qui ont inspiré une œuvre lyrique. Je souhaite que l'opéra reste coloré, qu'il soit source d'inspiration et qu'il aborde les thèmes et les questions problématiques qui continuent d'être représentés sur scène. Je souhaite qu'il explore de nouveaux horizons et qu'il soit joué sur le plan musical, visuel et académique. » C'est grâce à la collaboration que cette forme d'art peut rester vivante et jeune.
Responsabilité et durabilité
Outre le contenu inspirant que l'opéra aborde dans divers espaces et qui peut ancrer le genre dans le 21ème siècle, les jeunes créatifs voient la nécessité de répondre aux crises de notre époque : « En tant qu'artiste, je pense que nous avons la responsabilité de créer non seulement un art qui a du sens, mais aussi de prendre en compte l'impact environnemental de notre travail », explique Heike Hümpfner, qui aspire à utiliser des matériaux écologiques, à minimiser les déchets dans le processus de production et à recycler les éléments de scène ou les costumes. Elle y voit toutefois une motivation : « La durabilité signifie également favoriser un état d'esprit créatif dans le cadre de contraintes, trouver la beauté dans ce qui est disponible et faire preuve d'ingéniosité sans sacrifier l'intégrité artistique. »
Il ne fait aucun doute que réfléchir aux processus de production en termes d'empreinte écologique fait partie du travail de la nouvelle génération. En outre, celle-ci estime nécessaire de s'interroger sur la durabilité sociale, culturelle et politique, ainsi que sur les questions de diversité, d'accessibilité et de ressources (humaines). Comme le dit le duo de designers Giulia Bruschi et Riccardo Mainetti : « Il ne suffit pas de choisir des matières premières durables ; la durabilité implique une série de décisions, de la conception du projet à la première représentation, qui engagent toutes les institutions et les personnes impliquées. » Finn Nachfolger, par exemple, considère « la diversité comme un facteur clé de la durabilité pour maintenir le théâtre et nos histoires en vie. Cela signifie également s'adapter à différents besoins et comprendre que les êtres humains sont une ressource dont il faut prendre soin. »
Pour Giorgio Pesenti, la durabilité doit être abordée à la racine : « Une œuvre est durable si son objectif peut générer du sens, des relations et un impact dans le présent. » En tant que membre actif d'une forme d'art encore largement financée par des ressources publiques, le jeune metteur en scène adopte une position claire : « Nous ne pouvons plus nous permettre l'art pour l'art. Nous devons de toute urgence construire une nouvelle écologie de l'art, un écosystème ouvert qui puisse dépasser l'autoréférentialité et s'engager véritablement dans l'époque dans laquelle nous vivons. »
« L'opéra, souvent perçu comme élitiste, a aujourd'hui l'occasion de se réinventer », dit Pesenti. « Il peut devenir une voix collective, un rituel partagé, un geste politique. Le théâtre peut et doit se déplacer entre les espaces institutionnels et la sphère publique, entre les professionnels et les citoyens, en jouant un rôle actif dans la construction de nouveaux imaginaires sociaux. » La metteuse en scène Franciska Éry y voit une formidable opportunité pour le travail de la prochaine génération : « Le plus grand atout de l'opéra en matière de durabilité est son pouvoir de retenir une salle remplie d'inconnus dans le noir, à écouter la même chose sans aucun appareil technologique à la main. Nos productions doivent défendre des valeurs qui incitent les gens à s'engager eux aussi en faveur de la durabilité. »
Le pouvoir de la prochaine génération
Malgré, ou peut-être grâce aux nombreux défis à relever, les jeunes créatifs sont optimistes quant à l'avenir. Franciska Éry exige : « Laissons les artistes émergents suivre leur instinct. Permettons-leur de se forger leur propre univers dans leur processus et dans la réalisation de leur vision. Laissez-les faire des choses étranges. Permettez-leur de prendre des risques. L'opéra de demain est collaboratif ; il s'inspire d'autres genres, d'autres médiums. Les artistes doivent être curieux et ne pas avoir peur de faire des erreurs. » Et parfois, cela peut signifier que plus grand n'est pas toujours synonyme de meilleur, note Maria Chagina, qui est « fan de solutions simples et de productions de chambre, où le théâtre naît de presque rien. Il n'est pas nécessaire d'avoir un gros budget pour toucher le public sur le plan émotionnel. »
Envie d'expérimenter, curiosité et collaboration, volonté de prendre des risques, ouverture d'esprit et courage : existe-t-il une recette pour le succès de l'opéra de demain ? « Nous sommes comme des alchimistes dans un laboratoire étrange », déclarent les designers Giulia Bruschi et Riccardo Mainetti pour décrire leur métier, « entourés de flacons, de liquides bizarres, de fumée et de vapeur. Nos ingrédients proviennent d'un inventaire tout aussi étrange : la poussière de la tradition, ou un technicien de théâtre avec quarante ans d'expérience ; des objets trouvés par hasard, ou d'autres choisis et discutés pendant des mois. Certains matériaux arrivent à la dernière seconde ; d'autres ont attendu dans un tiroir de notre cerveau, jusqu'à ce qu'ils prennent soudainement tout leur sens. Notre rêve est de trouver la formule parfaite pour donner vie à la fiction. »
Ce qui ressemble presque à la quête de la pierre philosophale est également une force motrice pour ces jeunes professionnels de l'opéra, comme le concluent Bruschi et Mainetti : « C'est une recherche constante et épuisante de cet équilibre fragile. On ne sait jamais quand ni pourquoi cela fonctionne. Mais quand c'est le cas, tous les sacrifices en valent la peine. »
Hannes Föst
