Le diable est dans les détails
La costumière Christina Lovery déforme la réalité dans The Rake's Progress.
« Je n'ai pas du tout peur de la couleur », déclare Christina Lovery.
C'est une évidence pour tous ceux qui connaissent son travail. La costumière a à son actif plusieurs projets théâtraux hauts en couleur, comme Charlie et la chocolaterie au Det Norske Teatret et Alice au pays des merveilles au National Theatre de Norvège.
« Il est difficile de dire ce qui me caractérise exactement en tant que créatrice, mais les gens disent qu'ils reconnaissent souvent les lignes », dit-elle.
Elle est actuellement à l'Opéra d'Oslo, où elle met la touche finale sur ses créations avant la première représentation de The Rake's Progress. La liste de ses réalisations au théâtre, au cinéma et à la télévision est longue, mais c'est la première fois que ses costumes sont montrés sur la plus grande scène d'opéra de Norvège. « Lorsque j'ai obtenu ma maîtrise à l'Académie nationale des arts d'Oslo, c'était en conception de costumes d'opéra, travailler à l'Opéra d'Oslo était un de mes souhaits. J'ai également travaillé avec plusieurs membres de l'équipe artistique par le passé, ce qui fait la différence. »
Un monde visuel déformé
Igor Stravinsky a écrit l'opéra The Rake's Progress en s'inspirant de huit peintures et gravures satiriques de William Hogarth décrivant la spirale infernale d'un homme qui hérite d'une grande fortune qu'il perd en jouant et en s'adonnant à la débauche, et qui finit ses jours dans un hôpital psychiatrique. Le mot « rake » - c'est-à-dire libertin - est un terme plus ancien utilisé pour désigner une personne, généralement de sexe masculin, qui mène une vie hédoniste, débridée et débauchée.
Les peintures de Hogarth et l'opéra de Stravinsky ont des accents moralisateurs lorsqu'il s'agit de se laisser aller et de choisir la voie la plus facile dans la vie. Mais dans la version du metteur en scène Vidar Magnussen, c'est une perspective différente qui est mise en avant : « Il est important pour nous de mettre l'accent sur le fait que cet homme est malade, plutôt que sur le fait qu'il fait les mauvais choix dans la vie », explique C. Lovery. « Alors que les peintures de Hogarth se concentrent sur la moralité, cette version se concentre sur l'amour d'une personne malade », poursuit-elle.
L'histoire entière est racontée dans un hôpital psychiatrique, du point de vue de Tom et du voyage qui se déroule dans sa tête. « Ce sont les visions de Tom que nous voyons, c'est pourquoi tout est fragmenté et mélangé. Les personnes qu'il rencontre en chemin sont des versions déformées des personnes de l'asile. C'est donc le point de départ de tout le processus de conception des costumes », explique C. Lovery. « L'expression visuelle s'inspire des rituels de bains dans les asiles des années 1950. Nous voulions qu'il s'agisse d'une version moderne, mais sans date précise. Elle peut se situer à n'importe quel moment entre 1950 et aujourd'hui, mais elle est reconnaissable comme étant moderne ».
Une duplication éternelle
La réalité déformée et la perception de l'aggravation de la maladie de Tom sont représentés par divers aspects de la conception des costumes et de la scénographie. Les éléments et les détails se répètent et les différents individus et lieux se mélangent et se confondent.
L'histoire est propulsée par Nick Shadow, qui surgit de nulle part avec l'offre d'un héritage financier qui semble résoudre tous les problèmes de Tom. Il piège Tom dans un pacte avec le diable et commence à apparaître partout.
Nick Shadow est le diable sur l'épaule de Tom. Plus les choses tournent mal, plus Tom devient malade et plus il voit le diable partout. Lovery a conçu le costume de Nick Shadow en quatre étapes pour refléter visuellement l'évolution du personnage : « Au début, il est un peu excentrique dans un costume jaune avec des cheveux rouges, puis il devient progressivement de plus en plus diabolique. Ses cheveux se transforment en cornes au fur et à mesure que Tom s'enfonce dans sa maladie. »
Les mêmes cheveux roux apparaissent également sur d'autres patients de l'hôpital psychiatrique. Le col de chemise du diable apparaît également dans les costumes des « citoyens respectables », qui sont une version déformée des infirmières - interprétées par l'ensemble du chœur de l'opéra. Vêtus de costumes jaunes dont la silhouette présente des formes volumineuses (reconnaissables à d'autres créations de Lovery), ils servent à dramatiser les hallucinations de Tom : « L'idée sous-jacente est qu'ils ne sont pas seulement des individus, mais qu'ils représentent visuellement des images en tant que groupe. Le bras de la femme s'emboîte dans celui de l'homme, de sorte que lorsqu'ils s'approchent, il sont à la fois des individus et une grande masse. C'est une sorte de dédoublement du diable, un dédoublement éternel qui ne cesse de se répéter. »
Un combat entre le bien et le mal
Alors que Nick Shadow est l'incarnation de la force maléfique qui pousse Tom dans la mauvaise direction, son pendant est Anne Trulove, la fiancée éternellement fidèle de Tom, qui tente de le sauver. Ce contraste entre le bien et le mal s'exprime dans les contrastes entre les différents matériaux qui composent les costumes des personnages : naturel et authentique contre synthétique. « Dans la scénographie comme dans les costumes, la nature joue un rôle de pureté et d'authenticité, représentant l'amour véritable qui peut sauver Tom », explique C. Lovery.
Anne Trulove - l'incarnation de la bonté - porte des robes faites de matériaux naturels et de coutures florales. Le dernier costume de Nick Shadow, qui reflète le stade achevé de la diablerie, est fait de plastique noir tissé, cousu à la main dans des formes qui font ressembler le matériau à des fibres musculaires ou à des tendons. Le matériau est conçu pour se refléter et briller à la lumière. Christina Lovery explique qu'il s'agit de l'un des détails du projet qu'elle préfère. « J'adore la façon dont les lignes sont cousues à la main. J'ai déjà travaillé avec ce matériau et j'ai donc de grandes attentes quant à l'effet qu'il aura sous les lumières de la scène. Ce sera très excitant à voir sur scène », ajoute-t-elle.
Un développement visuel des personnages
À l'instar de Nick Shadow, les costumes de plusieurs autres personnages évoluent au fil de l'histoire. Les robes d'Anne Trulove deviennent de plus en plus sombres à mesure qu'elle perd le combat contre les illusions qui se sont emparées de l'esprit de Tom. Quant à Baba, la femme à barbe et artiste de cirque itinérante, son apparence se détériore à mesure qu'elle passe de l'espoir et du désir d'amour à l'abandon et au découragement après avoir été utilisée par Tom.
« Baba est l'exemple même de l'outsider vulnérable et du désir de s'intégrer. Nous la voyons pour la première fois dans une veste trop grande en forme de cœur qui symbolise l'amour qu'elle espère trouver. »
Baba épouse Tom, il se sert d'elle, ils perdent tout ce qu'ils possèdent et se retrouvent à la rue. Nous assistons donc à la détérioration progressive de ses costumes. Dans cette interprétation, elle est aussi l'infirmière de Tom, qu'il voit d'une manière tordue, un homme qui dans la tête de Tom est une femme qu'il épouse.
Une syphilis ambiguë
Si Lovery utilise les contrastes pour souligner les différences, elle joue également avec l'ambiguïté et des éléments apparemment contradictoires dans un seul et même costume. Pour Mother Goose, nommée d'après un euphémisme désignant la syphilis à l'époque de Hogarth, Lovery a conçu une magnifique robe en soie peinte à la main qui met en valeur les courbes féminines de la jeune femme. Une main s'étend dans le dos et une langue ornée de perles et de paillettes se trouve au niveau du ventre.
« La robe est conçue pour être séduisante et séductrice, mais aussi troublante. On pourrait dire que les perles qui se répandent sur la langue représentent la syphilis et les maladies vénériennes, mais pas de manière explicite. J'aime intégrer l'ambiguïté, la frontière floue entre ce qui est attirant et ce qui est dangereux. Vous savez que vous devriez garder vos distances, mais vous plongez quand même tête la première ».
Cette même ambiguïté se retrouve tout au long de l'opéra, qui oscille entre le tragique et le comique à travers les détails musicaux et scéniques. Tout cela n'est qu'un jeu, mais un jeu dangereux.
Écrit par Ellinor Rundhovde.
