Orfeo, Garsington Opera
Orfeo, Garsington Opera

Orphée et le pouvoir du chant

Humain et divin à la fois, Orphée incarne le pouvoir du chant. Apollon, le dieu du soleil, lui aurait enseigné ses talents de musicien et de poète, qu'il a déployés pour charmer ses contemporains sur terre mais aussi pour accéder au territoire interdit des enfers. Il n'est pas étonnant qu'il soit devenu l'emblème de l'artiste qui transcende les soucis du quotidien et nous rapproche des vérités éternelles. Il n'est pas non plus surprenant qu'Orphée ait été choisi par tant de compositeurs comme symbole de l'artiste, dont le travail de toute une vie consiste à lutter, à échouer, mais à rester dans les mémoires et devenir immortel.

Le premier opéra, à la fin du 16e siècle, fut Euridice de Jacopo Peri, et le premier chef-d'œuvre de l'opéra fut La favola d'Orfeo de Claudio Monteverdi. Le mariage d'Euridice et d'Orphée est célébré à l'acte 1, mais à l'acte 2, elle est déclarée morte. L'opéra devient une lamentation sur sa perte. La scène centrale, et la section lyrique la plus longue, est la supplique en six strophes d'Orphée, commençant par « Possente spirto », adressée à Charon pour qu'il lui permette de traverser le Styx et d'entrer dans le monde souterrain. C'est le moment où la forme naissante de l'opéra trouve sa voix. Il lance à l'auditeur le défi de rester indifférent à son filigrane élaboré de coloratura entrecoupée de ritornelli. Malgré l'injonction de Hope « Lasciate ogni speranza o voi che entrate », Orphée croit toujours qu'il peut réussir sa mission. L'acte 4 se déroule dans le domaine de Pluton. Au cinquième acte, Orphée est piégé et revient sur terre les mains vides. Il se lamente sur ses espoirs perdus dans un autre long passage, qui fait suite au « Possente spirto » de l'acte 3, et dans lequel ses paroles trouvent un écho lugubre dans les rochers environnants. L'apaisement final d'Apollon réconforte à peine l'artiste endeuillé.

Magnifique est le moment de la représentation de Garsington Opera après que l'opéra est terminé, lorsque l'ensemble complet et le chef d'orchestre se réunissent pour chanter le madrigal non accompagné de Monteverdi « Che dar più vi poss'io ? » Le temps s'arrête.

Photo: Orfeo, Garsington Opera © Craig Fuller
Orfeo, Garsington Opera

On peut dire que l'opéra « moderne » débute 155 ans plus tard avec le premier des opéras né de la « réforme » de Gluck. Son sujet était presque inévitablement Orphée et, bien que son titre soit Orfeo ed Euridice, c'est Orphée qui reste au centre de la scène tout au long de l'opéra. En effet, Eurydice est morte avant le début de l'opéra, et le chagrin brûlant d'Orphée traverse le chœur. Je me souviens que nous jouions cet opéra à l’English National Opera le soir du 11 septembre 2001, et de la nervosité qui régnait sur scène quant à la manière de refléter l'énormité de l'événement. Le public stupéfait a reconnu que l'opéra de Gluck, cet opéra de deuil, simple mais sincère, parlait au cœur.

Photos: Orfeo ed Euridice, New National Theatre Tokyo © Rikimaru Hotta

 

Le mouvement de la musique de Gluck, solennel et animé, furieux et sublime, séduit les chorégraphes. Le Japonais Saburo Teshigawara décrit de manière révélatrice « l'harmonie et la dissonance entre les éléments musicaux et visuels » comme une source de tension, exprimant différentes nuances d'obscurité, de malaise et de doute. Son objectif, « que l'opéra devienne poésie », est une résolution qui fait écho aux fondateurs de l'opéra. Le chef d'orchestre Masato Suzuki, célèbre chef principal du Bach Collegium Japan, décrit comment Gluck a transformé la rhétorique baroque, avec ses récitatifs secco, en un flux continu qui mènera finalement à Wagner.

Orphée aux Enfers

Si Wagner n'a pas composé d'Orphée, il a dépeint les luttes de l'artiste dans Die Meistersinger. Son compatriote Offenbach les traite avec beaucoup plus de désinvolture dans son opéra bouffe Orphée aux enfers, permettant même à son musicien titulaire de jouer un riff sur le numéro le plus célèbre d'Orphée, « Che farò senza Euridice », tiré du troisième acte de l'opéra de Gluck. L'Orphée d'Offenbach n'est que trop heureux que Pluton ait enlevé Eurydice, de sorte qu'il est libre de jouer avec ses élèves et ses admirateurs, tandis qu’Eurydice trouve la fête aux enfers bien trop amusante pour vouloir retourner à son ancienne vie. Les dieux d'Offenbach sont lascifs et vénaux, à l'instar des politiciens de la France du Second Empire qu’ils parodiaient. 

L'irrévérence d'Offenbach s'étendait au-delà de la politique et à la scène culturelle. Il a mis à mal les prétentions pompeuses du grand opéra français avec des airs irrésistibles et beaucoup d'esprit. Il partage avec Rossini le don d'écrire une musique qui fait rire. Sa satire atteint encore ses cibles aujourd'hui.

 
Photo: Orphée aux Enfers, Festival d'Aix-en-Provence © Elisabeth Carecchio

La résonance durable du mythe d'Orphée est démontrée par l'attrait qu'il exerce sur des compositeurs plus récents, parmi lesquels on peut citer le ballet Orpheus de Stravinsky, l'obsession de toute une vie de Harrison Birtwistle, qui a culminé dans son œuvre maîtresse The Mask of Orpheus et l'opéra de chambre The Corridor, dans lequel Eurydice devient le personnage central, Orphée de Philip Glass et Orpheus & Eurydice de Ricky Gordon.

Opera North à Leeds a passé cinq ans à concevoir une adaptation du mythe d'Orpheus qui puisse fusionner baroque italien et musique classique indienne. L'histoire suit celle de l'opéra de Monteverdi, mais le cadre est celui d'un mariage entre un homme occidental et une femme asiatique. La musique combine un tiers de Monteverdi pur, un tiers de classique indien et un tiers de fusion des deux univers musicaux. Les directeurs musicaux conjoints sont le sitariste et compositeur Jasdeep Singh Degun et le spécialiste du baroque Laurence Cummings, qui a également dirigé l’Orfeo de Garsington. La distribution est composée à parts égales d'interprètes occidentaux et sud-asiatiques, et la directrice est Anna Himali Howard. Difficile à prévoir à l'avance, le projet témoigne de la pérennité d'une histoire antérieure à Homère.

Shelley a affirmé que « les poètes sont les législateurs non reconnus du monde. » Icare utilisait des ailes pour voler, trop près du soleil cependant, de sorte que la cire de ses ailes a fondu et qu'il est tombé, sa présomption le condamnant à la noyade. La dévotion d'Orphée pour le dieu du soleil a rendu furieuses les Ménades thraces, disciples du dieu rival Dionysos, qui l'ont réduit en pièces. Alors que sa tête coupée et sa lyre flottaient sur le fleuve Hebrus jusqu'à la mer, elles jouaient encore des chansons de deuil.

Photo: Orpheus, Opera North
Orpheus (After Monteverdi)
Nicholas Payne